Миф о музыкальном инструменте: Легенды о музыкальных инструментах — TheHelper.ru

Музыкальные стереотипы и мифы

ГлавнаяО насСтатьи и обзорыМузыкальные стереотипы

Абсолютно в каждом ремесле существуют свои мифы, стереотипы и предрассудки, которые обычно берут свое начало далеко за пределами ремесла. Как вы понимаете, незнающие люди чаще всего сами придумывают то, о чем профессионалы даже не задумывались. Какие-то из стереотипов достаточно нейтральны, а некоторые вполне могут обидеть творческого человека.

Мы постараемся разрушить несколько стереотипов, которым часто живут не только простые люди, но и опытные музыканты.

 

Стереотип №1: чтобы научиться играть на музыкальном инструменте, необходим талант

Когда речь заходит о таланте, то практически все люди вспоминают музыкантов с мировым именем. Причем среди величайших музыкантов есть как самоучки, так и академисты, что еще больше подкрепляет миф.

Что академисты, что самоучки – все талантливы. Только один интересный факт: все величайшие  занимаются музыкой с детства и при этом учились в лучших университетах искусств или занимались с толковыми преподавателями. Иногда будущий виртуоз рождается в семье музыкантов и буквально с рождения окружен музыкой.

Как тут не стать профессионалом? 

Подобный миф актуален не только для музыки. Детям намного проще заниматься чем-то новым, ведь они всю информацию впитывают как губки. В более взрослом возрасте, конечно, сложнее обучиться новому ремеслу. Сложно, но реально.

Как говорил Станиславский: «трудное надо сделать привычным, привычное – легким, а легкое – приятным».

 

Стереотип №2: классическая музыка повышает интеллект

Классическую музыку слушают беременные, включают детям и подросткам. Якобы, классика автоматически делает человека умнее.

Если бы так было на самом деле, то мы сейчас уже жили бы на Марсе!

Классическая музыка развивает мышление, если вы ее исполняете на музыкальном инструменте или разбираете в рамках музыкального анализа. Для исполнения классического произведения (а они все довольно непростые), нужно обладать определенными навыками и знаниями. Если знаний нет, то нужно получить их. Получаете знания – интеллект растет. Логично?

На самом деле любая музыка повышает интеллект, если не брать в расчет совсем низкосортные композиции. Во время занятий музыкой развиваются когнитивные способности, память, аналитические способности, мелкая моторика и многое другое. Если музыкант выступает на сцене, то добавьте сюда физическое развитие.

Скажите, часто ли приходилось слышать, что большинство музыкантов тупы? К сожалению, музыка не отвечает за всестороннее развитие человека. Если музыкант глупый, то музыка тут не причем. Он бы и без нее был глуп.

 

Стереотип №3: песню можно написать только под вдохновением

Музыканты могут придумать мотив и текст песни буквально за несколько секунд. В порыве творчества порой создаются самые настоящие шедевры.

Именно так была написана песня группы Metallica – Nothing Else Matters, когда Джеймс Хэтфилд (вокалист) разговаривал со своей девушкой и свободной рукой перебирал открытые струны на гитаре.

Все начинается с мотива, но одного мотива мало. Другие музыканты в группе должны придумать себе партию, все это нужно отрепетировать, придумать интересные ходы в аранжировке, снова отрепетировать, записать и снова придумать аранжировку. На выходе может получиться совсем другая песня.

Миф отчасти верен и зачастую творческий процесс зависит от вашего настроения и эмоций. Еще больше творческий процесс зависит от имеющегося у вас багажа знаний и умений.

Соответственно, каким бы сильным не было вдохновение у новичка – он никогда не создаст шедевр, который будут вспоминать через 50 лет. Но стоит взять вдохновленного опытного музыканта – и он создаст если не шедевр, то очень хорошую песню.  

Последнее: чем больше ваш багаж знаний, тем у вас больше шансов найти вдохновение. Это похоже на палитру красок у художника – чем больше красок он раздобудет, тем красивее и красочнее будет его картина.  

 

Стереотип №4: существует всего 7 нот

Больше философия, чем стереотип. Споры о количестве нот не угасают довольно продолжительное время. Одни скажут, что нот 7 и подкрепят свою теорию весомыми аргументами. Вторые ответят, что нот на самом деле 12 и предоставят не менее значимые факты. Третьи пойдут дальше всех и скажут, что ноты – бесконечное выражение.

Так 7 нот или 12? Объясняем разницу на пальцах: 12 нот равны одной октаве – C C# D D# E F F# G G# A A# B, как и 7 нот – C D E F G A B.

Стоит только убрать «промежуточные» ноты, которые на пианино располагаются на черных клавишах, и мы получим 7 «основных» нот. В итоге имеем, что размерности и интервалы между нотами соблюдаются – 12 нот – то же самое, что и 7 нот, и наоборот. Поэтому многие оппоненты в споре могут доказывать друг другу одно и то же.

Мы еще упоминали третий вариант – бесконечность количества нот. Суть в том, что один тон состоит из двух полутонов. Значит, один полутон можно разделить еще на два и получится четверть тона. Подобные действия можно выполнять до бесконечности.

Кажется фантастикой, но некоторые музыканты вполне успешно конструируют микротональные гитары, которые открывают огромной простор для аранжировки, хоть и с большим количеством диссонансов.

С каждым годом прототипы получаются все более совершенными. Возможно, через несколько лет в мире появится новый тип гитар. Осталось лишь избавиться от диссонансов и убедить общественность в том, что микротональность открывает дверь в новую эпоху музыки.

Мифы о классической музыке • Конспект эпизода • Arzamas

Краткое содержание второго эпизода из курса Петра Айду и Григория Кротенко «Как слушать классическую музыку»

Мы сталкиваемся со многими стереотипными представлениями о классической музыке.

Миф № 1: классика — это вершина музыки. Согласно этому мифу, европейская классическая музыка является вершиной эволюции музыкального искусства. На деле, помимо европейской, параллельно существует еще несколько великих музыкальных классических традиций: иранская, арабская, китайская классика, — не меняющиеся на протяжении длительного времени.

Миф № 2: классика записана раз и навсегда. Существование нотной записи как бы подразумевает, что музыка окончательно зафиксирована и может быть легко воспроизведена в любой момент. На самом деле нотная запись дает лишь условные указания, и, только хорошо понимая множество других обстоятельств создания музыки, музыкант может воспроизвести ее адекватно. Поэтому слушатели классической музыки ходят слушать не само произведение, а его интерпретацию. Иначе не было бы никакой разницы между учеником школы и прославленным маэстро.

Миф № 3: классику надо слушать в концертном зале. Этой традиции всего примерно двести лет, но она уже умирает. Когда она была действительно жива, бо́льшую часть музыки люди играли для себя сами. Позже любители музыки стали составлять общества, нанимать оркестры и строить концертные залы. Так появились филармонии  Филармония — (от греч. phileo — «люблю» и harmonia — «гармония, музыка»)..

Миф № 4: классику сложно понять. Разделение музыки на «серьезную» и «легкую» к середине XX века привело к тому, что появилось представление, будто академическая музыка не может быть несерьезной, а слушатель должен быть настроен на прослушивание чего-то возвышенного. На самом деле в академической музыке присутствуют и несерьезные вещи.

Миф № 5: чтобы слушать классику, нужны специальные навыки. Подразумевается, что исполнители не допускают ни одной фальшивой ноты, а у слушателей должен быть некий абсолютный слух. На деле абсолютный слух — всего-навсего вид памяти, способность запоминать высоты звуков. Другая разновидность музыкального слуха — относительный слух, когда человек запоминает интервалы между нотами; это просто навык, который развивается с помощью упражнений.

Миф № 6: вся классика — это шедевры великих композиторов. В действительности бывает, что шедевр принадлежит вовсе не великому композитору, а произведение великого композитора, наоборот, довольно слабое. Композиторам, которые стали великими, принято приписывать все самое выдающееся и новаторское. Например, Баху приписывается, что он изобрел и ввел так называемую равномерную темперацию и современную аппликатуру игры на клавишных инструментах. На самом деле это не так, и в свое время Бах считался старомодным композитором. Если ограничиться в музыке только шедеврами, то невозможно будет понять, чем шедевр отличается от не шедевра и почему он — шедевр. Простой современный слушатель вряд ли отличит Моцарта от Сальери.  

6 мифов об обучении музыке: учиться с детства, играть как можно больше

Без гамм и этюдов нельзя научиться играть на музыкальном инструменте, взрослым учиться играть сложнее, чем детям, без таланта и начинать не стоит — это всё заблуждения, не имеющие ничего общего с реальностью. Наш блогер Мария Трушина развенчала шесть мифов о музыкальном обучении.

Полезная рассылка «Мела» два раза в неделю: во вторник и пятницу

1. Начинать учиться музыке нужно как можно раньше

Чтобы опровергнуть этот миф достаточно вспомнить легендарного советского пианиста Святослава Рихтера. Он начал учиться играть на фортепиано, когда ему было целых девять лет! Или, например, прославленного американского саксофониста Чарли Паркера, которому подарили саксофон тоже на девятилетие. Оба стали легендами мира музыки. Конечно, вспоминается и Моцарт, в восемь лет выступавший перед августейшими особами. Но всё-таки ранний старт — это необязательное условие. Если вам суждено стать великим музыкантом, вы им станете!

2. Во взрослом возрасте научиться хорошо играть нереально

Реально. Насколько хорошо зависит от вложенного времени и энтузиазма. Научиться играть для себя, родных, друзей, для домашнего музицирования доступно абсолютно любому человеку. Во взрослом возрасте в некотором смысле даже проще. Сам себя организуешь, мотивируешь и контролируешь.

Подходишь к занятиям осознанно, понимая, что даёт то или иное упражнение. Кстати, решив осуществить мечту детства — учиться играть — не берите простенький инструмент, звук должен вам нравиться. Взрослые гораздо более придирчивы, в силу большего слухового опыта, а цена инструмента не даст вам так просто бросить занятия.

3. Для занятий музыкой нужен талант

Талант — это 90% труда. Для занятия музыкой, как и для всего остального, нужно желание. Нужно хотеть продолжать, даже если сегодня не получается. Завтра получится. Занятия музыкой не для избранных, оно для желающих. Вы же научились ходить? Это почти тоже самое: вы учите мышцы пока непривычным движениям, образуются новые нейронные связи. Поэтому просто не торопитесь, старайтесь допускать минимум ошибок — лучше медленно, но верно.

4. Без музыкального слуха музыкой заниматься нельзя

Можно. Музыкальный слух — это навык. Слуховой и аналитический. У кого-то он развит лучше, у кого-то — хуже. Но это не сверхспособность, и его можно развить при помощи упражнений. То же касается и чувства ритма.

5. Играть нужно как можно больше

Это тоже не обязательное условие. Играть нужно увлечённо и с удовольствием! Но не доводить руки до усталости, тем более, мышечной боли. Концентрированного 30-40-минутного занятия для начала достаточно. Гораздо важнее не отвлекаться. Лучше меньше, но качественно.

6. Нужно играть гаммы

Да простят меня музыканты-преподаватели! Это полезное упражнение, даже очень, но можно просто играть произведения. Этот секрет рассказал концертирующий пианист с консерваторским образованием!

Вы находитесь в разделе «Блоги». Мнение автора может не совпадать с позицией редакции.

Фото: Shutterstock (Everett Collection)

Музыкальный тайник «В мире музыкальных инструментов»

Для проведения мероприятия необходимо:

1. рисунки с изображением музыкальных инструментов, портреты Страдивари и Андреева;

2. стихотворения о музыкальных инструментах;

3. музыкальные произведения, видео со звучанием отгаданных инструментов.

Ведущий. С незапамятных времен и до сегодняшних дней человека сопровождает музыка, песня, а значит, и музыкальные инструменты. В древности музыкальное искусство глубоко почиталось. В Шумере и Вавилоне в честь музыкальных инструментов совершались жертвоприношения. В Древней Греции богов, как правило, изображали с музыкальными инструментами в руках.

Волшебная сила музыки воспевалась в преданиях и мифах. Так, древние греки сложили миф о певце Орфее. Там, где не спасали стрела и меч, не помогали сила и мужество, песня Орфея делала чудеса. Когда он брал в руки кифару и пел под мелодичный звон ее струн, ветер переставал колыхать листву, далекие скалы двигались навстречу песне, море замирало, дикие звери выбирались из своих логовищ и смиренно шли за удивительным певцом, замороженные чудом из чудес – музыкой.

Люди древности видели в музыке волшебную, магическую силу и потому приписывали создание музыкальных инструментов богам.

Ученик. Однажды, как повествует древняя легенда, бог лесов Пан повстречал прекрасную деву Сирингу и влюбился в нее с первого взгляда. Пан, голова которого была увенчана рожками, а ноги были с копытцами, не понравился Сиринге. И она бросилась от него прочь. Пан помчался за ней и почти настиг на берегу Реки. Но Сиринга обратилась к Реке с мольбой, чтобы та укрыла ее от козлоногого Пана. Вняла Река мольбе Сиринги и превратила ее в тростник. Печальный Пан вырезал из тростника певучую свирель и с тех пор не расставался с ней…

Ведущий. Из панциря черепахи сконструировал лиру младенец Гермес, будущий бог скотоводства, покровитель пастухов…

Флейту изобрела воинственная богиня Афина…

Так рассказывают о возникновении музыки и музыкальных инструментов древнегреческие мифы.

Ученик.

Это было не помню когда.
Человек пас на поле стада,
Зверя дикого, птицу бил,
Сеял хлеб и рыбу ловил.
Он поблизости жил от воды,
Собирал лесные плоды
И одежду из шкур носил,
Свой костер ни на миг не гасил,
И когда сидел у огня
После долгого трудного дня,
То всегда напевал одно:
“Онна-но! Онна-но! Онна-но!”
Шел однажды он вдоль реки,
У которой росли тростники,
И прямой тростниковый побег
В руки бережно взял человек.
Он тростинку держал в руках –
Вольный ветер свистел в тростниках,
Он поймал ветра свист на лету
И тростинку поднес ко рту…
А потом сидел у огня
После долгого трудного дня
И играл на тростинке одно:
“Онна-но! Онна-но! Онна-но!”
Шел он как-то за зверем на луг,
Нес в руке крутосогнутый лук,
И направлена в зверя была
Остроточенная стрела.
Отпустил человек тетиву-
Мертвый зверь упал на траву,
Было слышно, как пела едва,
Чуть звенела в тиши тетива.
А потом сидел у огня
После долгого трудного дня
И звенел тетивою одно:
“Онна-но! Онна-но! Онна-но!”
Шел он лесом сквозь бурелом.
В ствол поваленный с круглым дуплом
Человек застучал что есть сил-
Гул рокочущий тьму огласил.
И тогда человек у бревна
Середину прожег до дна,
И прикрыл пустоту ствола
Он упругою кожей вола,
А потом сидел у огня
После долгого трудного дня
И стучал в барабан свой одно:
“Онна-но! Онна-но! Онна-но!”
Проходил за веком век,
И могучим стал человек:
Он построил себе города,
Ему небо, земля и вода
Покорились, он к солнцу взлетел,-
Но всегда, среди всех трудных дел
Слышал пение струнных своих,
И ударных своих, и своих духовых,-
Песню ветра, воды и огня,
Песню ночи и песню дня,-
Эй, все вместе споем заодно:
“Онна-но! Онна-но! Онна-но!»

Ведущий. У каждого народа есть свои легенды о появлении этого музыкального инструмента. Греки приписывают ее изобретение то младенцу Гермесу, то самому покровителю искусств солнцеликому Аполлону.

Ученик. Бог Гермес, когда был еще младенцем, похитил у своего старшего брата Аполлона коров. Из их кишок он сделал струны, а потом, поймав черепаху, натянул струны на черепаший панцирь. Аполлон рассердился на Гермеса. Гермес, чтобы помириться с братом, подарил ему этот удивительно сладкозвучный инструмент. Голос ее так понравился Аполлону, что он сменил гнев на милость, и вскоре она стала его любимым музыкальным инструментом.

Вопрос: О каком музыкальном инструменте говорится в легенде?

ЛИРА

(Рисунок с изображением инструмента)

Ведущий. Если вы внимательно слушали легенду, то, наверное, заметили, что струны лиры натянуты. Натянутую струну можно заставить звучать, а вот панцирь черепахи зачем? Дело в том, что струны сами по себе звучат слабо, а панцирь усиливает их звучание.

Черепаший панцирь – это корпус лиры. По-другому он называется — резонансный ящик, ему передаются колебания струн. Он усиливает звуки и делает их красивее.

Ученик. А вот легенда о поэте и певце Арионе. На состязании кифаристов Арион одержал победу и был награжден драгоценным призом. Но морские разбойники задумали отобрать его у певца. Выйдя в море, они хотели убить Ариона, чтобы завладеть ценной добычей.

Неизбежная гибель Ариона. Но он просит напоследок у разбойников, чтобы они разрешили ему спеть. И так замечательно пел Арион, что смягчились даже сердца жестоких разбойников. Закончил песню Арион и бросился в морскую пучину. Но не успел он погрузиться в воду, как его подхватили очарованные его музыкой дельфины.

Они не дали утонуть великому певцу. Посадив Ариона к себе на спины, дельфины доставили его на берег.

Вопрос: Каким драгоценным призом был награжден Арион?

АРФА
(Рисунок инструмента, можно использовать видео, со звучанием арфы)

Ученик. Арфа – древнеегипетский инструмент. В Древнем Египте на арфе играли и в убогой хижине, и во дворце фараона, и в роскошных храмах. В храмах арфы были такие большие, что жрецы могли играть на них только стоя. Струны древних арф делали из жилок или волокон пальмового листа. В некоторых восточных странах на арфах разрешалось играть только мужчинам, а в некоторых она, как в наши дни, считалась исключительно женским инструментом.

Особыми законами устанавливалось, сколько струн должно быть у арфы бедняка, а сколько у господина. Арфа простолюдина не могла быть больше арфы вельможи.

В Ирландии, например, за повреждение руки арфиста виновный должен был заплатить штраф в четыре раза больший, чем за повреждение руки любого другого человека.

Когда из голубого шарфа
Вечерних, медленных теней,
Твоя мечтательная арфа
Вдруг запоет о вихре дней.
О бурях неги, взлетах страсти,
О пламенеющих сердцах,
Я весь в ее волшебной власти,
В ее ласкающих струях.
Мне кажется, что эти звуки
На волю выведут меня.
Из праздной скуки,, душной муки
Ушедшего бесплодья дня.

С. Городецкий

Ведущий. Давние предки этого инструмента появились на свет в далеких восточных странах. Один из ее древнейших предшественников – раванастр, который можно услышать и в наши дни. На нем играют народные музыканты Индии и острова Шри-Ланка (Цейлон). Маленький барабанчик в роли резонатора, длинная деревянная шейка, к которой прижимаются одна или две струны из шелка или жилки, лукообразный смычок – вот вам и раванастр, изобретение десятиглавого бога-дракона Раваны, как гласит древняя легенда.

Этот инструмент титулован за высокие музыкальные совершенства: прежде всего удивительно живой, трепетный звук, не уступающий в гибкости и выразительности человеческому пению. Только у нее пение может быть бесконечным, беспрерывным. Она не уступит роялю в виртуозности, а в разнообразном “произношении” звуков ей попросту нет равных. Это самый “говорящий”, самый выразительный по звучанию инструмент.

Вопрос: Как называется этот инструмент?

СКРИПКА
(Звучит скрипка)

Движенья плавные смычка
Приводят в трепет струны,
Мотив звучит издалека,
Поет про вечер лунный.
Как ясен звуков перелив,
В них радость и улыбка,
Звучит мечтательный мотив.
Я называюсь скрипка.

В ее голосе слышится и человеческая радость, и человеческая боль. За искренность скрипку поняли и полюбили тысячи людей.

Ученик. Было это давным-давно, более трехсот лет назад. Знаменитый скрипичный мастер Николо Амати подобрал на одной из улиц итальянского города Кремона мальчишку, который не знал, куда ему деваться. Свирепая болезнь чума, от которой когда-то вымирали целые деревни и города, погубила родных бездомного мальчишки. Амати привел паренька Антонио к себе в мастерскую и сделал одним из своих помощников.

Ведущий. Антонио оказался очень старательным. В его руках дерево словно оживало, деревянные чурки как будто сами собой превращались в заготовки для будущих скрипок.

В 13 лет Антонио сделал скрипку самостоятельно. А последний свой, более чем тысячный инструмент великий Антонио сделал, когда ему перевалило за девяносто.

Вопрос: Назовите фамилию знаменитого скрипичного мастера.

СТРАДИВАРИ
(Портрет мастера)

Ведущий. Шестьдесят лет было великому мастеру, когда зазвучали его самые лучшие, новые скрипки. Звук у них был мощный, глубокий, и пели скрипки человеческим голосом, отзываясь на легчайшее движение смычка новыми красками.

Ведущий. Этот инструмент – принадлежность всех богатых домов. На его изготовление шли, привозившиеся из заморских стран драгоценные сорта дерева – черного, красного, розового, лимонного. Инструмент отделывали слоновой костью, бронзой, золотом, драгоценными каменьями, на его стенках и крыловидных крышках знатные живописцы писали замечательные картины.

А клавиши!

Что там пластиночки из слоновой кости! Случалось, клавиши покрывали пластинками из самоцветов – слоистым агатом – ониксом, золотистым янтарем и даже драгоценным темно-синим лазуристом.

Вопрос: Как называется этот музыкальный инструмент?

КЛАВЕСИН
(Рисунок клавесина)

Ученик. Слава мастерам, художникам и ювелирам, которые превратили клавесин в неописуемого красавца!

Никогда раньше Музыкальный Инструмент не был такой дорогой, такой почитаемой и ценимой… мебелью.

Увы, улучшение внешнего вида приводило к ухудшению звука. Голос у клавесина был чуть суховатый, стеклянный. Но главная беда в том, что сила звука у него всегда оставалась одинаковой, одной и той же громкости. С какой бы силой ни ударял музыкант по клавише, громкость звука от этого не менялась.

Ведущий. На смену пришел другой музыкальный инструмент. Кто знает, как он называется?

 

Фортепиано. Слово “форте” означает “громко”, а слово “пиано” — “тихо”. Музыкантам важно это свойство нового инструмента издавать звуки разной громкости в прямой зависимости от силы удара по клавише.

Ученик. Произошло это около ста лет назад в Петербурге. К известному скрипичному мастеру Иванову пришел молодой скрипач Василий Андреев. Он сказал, что хотел бы заказать музыкальный инструмент. Но когда мастер посмотрел чертежи, которые принес ему скрипач Андреев, он страшно рассердился.

Как так, ему, уважаемому мастеру, предложили сделать шутовской, скомороший инструмент! Да он не стоит дерева, на него затраченного! И при этом еще молодой человек настаивает, чтобы инструмент был изготовлен из лучших сортов дерева, которое мастер годами выдерживал, чтобы делать из него благородные скрипки и виолончели! Это же недоразумение какое – то, а не инструмент!

И рассердившийся мастер сказал, что если господину Андрееву угодно, он может приобрести сей мужицкий инструмент в любой мелочной лавке, где тот продается вместе со спичками и солью.

Вопрос: Какой же инструмент предложил Иванову сделать Андреев?

БАЛАЛАЙКА
(Звучит балалайка, рисунок)

Ведущий. Василий Андреев заметил, что ему, скрипачу, совсем не зазорно играть на балалайке, и показал мастеру свое искусство.

И тогда мастер Иванов сдался. Ему понравилось, как молодой музыкант горячо говорит о том, что хочет наладить русские народные инструменты.

Что-то вас давно не слышно,
Три заливистых струны?
Говорят: из моды вышли
Песни русской старины!
Словно птиц залетных стайка,
Мода мчит за ветром вскачь.
Не печалься, балалайка,
И не плачь, не плачь, не плачь!
Вспомни, как в избе сосновой
Разливался голос твой,
Как с Наташею Ростовой
Тебя слушал граф Толстой.
Ты и нынче зря робеешь!
Ты одна на всю страну.
Ты задиристо умеешь
Тронуть русскую струну!
С удалым народным сердцем
Ты сроднилась неспроста!
В золотых руках умельцев
Ты не смолкнешь никогда!
Ну, кленовая, наддай-ка!
Растревожь меня вконец.
Баловная балалайка,
Деревянный бубенец!

Игорь Кобзев

Правда и мифы об обучении музыке

Ребенок подрос, и родители начинают задумываться о необходимости музыкального образования. На этот счет существуют определенные мифы. Важно взвесить все плюсы и минусы, а уже потом принимать решение.

Музыкальный слух. Все дети рождаются с предпосылками к абсолютному слуху, нужно лишь грамотно его развивать. Отсутствие музыкального слуха – редкая патология, сравнимая с врожденной глухотой или слепотой. Мы редко задумываемся об этом, но в противном случае мы бы не смогли различать людей по голосам. Интонация или тембр голоса дают нам порой больше информации, чем произнесенные слова.

У подавляющего большинства малышей вполне хороший музыкальный слух. Значит, они могут заниматься музыкой и добиваться прекрасных результатов.

Если нет слуха, тут уже ничего не поделать.

К сожалению, довольно часто музыкальные способности оценивают по умению петь. Если вы не можете этого делать, считается, что у вас «нет слуха».

На самом деле все это далеко не так. Дети просто не умеют управлять голосом и связками, не могут точно передать звучание определенной ноты или мелодии, которые прекрасно слышат. Отсюда появляется миф о том, что ребенок, поющий фальшиво, лишен музыкального слуха.

Дети любят классическую музыку только тогда, если слушают ее с рождения.

Если в вашем доме постоянно звучит классика, кроха будет нормально к ней относиться. Но насильно навязывать музыку тоже не стоит. Включайте классические произведения на несколько минут, не громко, следите за реакцией ребенка. Можно делать гимнастику или массаж под музыку, рисовать, заниматься лепкой, бисероплетением, другими видами рукоделия. Малышу не нравится музыка? Не настаивайте, он просто еще не дорос до ее понимания. Либо она не подходит ему по настроению или эмоциям.

Музыкальные инструменты бывают «легкими» и «сложными».

Есть мнение, что лучше начинать играть на барабанах или маракасах. Но каждый инструмент по-своему сложен, ведь при игре на них человеку нужно развивать чувство ритма, слух, память. Скажем, для игры на ударных ребенку необходимы хорошо развитое чувство ритма и блестящая координация движений. У многих детей, поступающих в музыкальную школу, с этим проблемы.

Уроки музыки пригодятся только тем, кто собирается стать музыкантом.

Считается, что занятия в музыкальной школе – пустая трата времени. На самом деле музыка очень полезна для общего развития. Она положительно влияет на детский мозг: улучшается память, речь, координация движений и слуха, зрительное восприятие, концентрация внимания, фантазия и воображение. Ребенок становится более усидчивым, дисциплинированным, трудолюбивым, получает навыки игры на инструменте и взаимодействия с коллективом в хоре.

Прежде чем вести малыша в музыкальную школу, хорошо подумайте. Вам предстоит большая нагрузка, и не все дети и их родители способны это выдержать.

Как узнать, есть ли у ребенка талант к музыке?

Присмотритесь к нему. Хорошо, если малыш:

— отбивает такт, слушая музыку;

— постоянно что-то напевает;

— иногда произносит рифмованные фразы;

— не зная нот, способен наиграть знакомую мелодию на детском инструменте.

Если ваш ребенок не проявляет себя подобным образом, не переживайте. Возможно, его таланты проявятся немного позже.

Как развивать музыкальные способности?

— Вместе слушайте музыку еще на этапе беременности, и сразу после родов. Отдавайте предпочтение таким композиторам, как Моцарт, Шуберт, Вивальди, Гайдн, Чайковский.

— Младенцу пойте колыбельные и другие детские песенки.

— С подросшим ребенком разучивайте мелодии из мультфильмов.

— Чаще смотрите музыкальные фильмы.

— Покупайте детские инструменты, учите, как ими правильно пользоваться. Для малышей подойдут маракасы, погремушки, бубенцы.

— Играйте в музыкальные игры, в том числе на гаджетах.

Ученые развенчали миф о том, что музыка делает детей умнее

Георгий Голованов

Вопреки распространенному мнению, подкрепленному неверно проведенными исследованиями, занятия музыкой не помогают ребенку получать более высокие оценки по математике или чтению и не развивают его когнитивные способности. Специалисты из Японии и Великобритании провели масштабное метаисследование доказавшее этот факт.

8

Публикация результатов предыдущих исследований, затрагивающих возможную причинно-следственную связь между обучением музыке и улучшением когнитивных способностей и академической успеваемости привела к тому, что некоторые родители стали видеть в обучении своих детей игре на музыкальных инструментах способ получения хороших отметок по математике или чтению, пишет EurekAlert.

Группа ученых из Медицинского университета Фуджита и Лондонской школы экономики и политологии изучила экспериментальные доказательства влияния занятий музыкой на не связанные с музыкой когнитивные навыки и школьную успеваемость детей. Авторы провели повторный анализ 54 исследований с 1986 по 2019 годы, через которые прошли почти 7000 школьников. И обнаружили, что уроки музыки неэффективны для повышения когнитивных или академических навыков, вне зависимости от типа навыка, возраста или длительности обучения.

При сравнении различных исследований между собой ученые заметили, что качественное проведенные эксперименты — то есть такие, в которых были контрольные группы — показывали отсутствие воздействия музыкального образования на когнитивные способности и успеваемость. Эксперименты без контрольной группы действительно демонстрировали небольшой эффект.

«Наше исследование показывает, что распространенная идея о том, что музыка делает детей умнее, неверна. С практической точки зрения это означает, что занятия музыкой с единственным намерением повысить когнитивные или академические навыки ребенка, бессмысленны», — заявил Джованни Сала, ведущий автор работы.

Обучаясь игре на музыкальном инструменте, можно научиться лучше играть на музыкальном инструменте, но эти умения не переносятся на другие области мозга, скажем, на математику. Тем не менее, нельзя отрицать пользу занятий музыкой (как и любым другим предметом) для социализации ребенка и повышения самооценки. А определенные элементы музыкальной грамотности — скажем, умение читать ноты — может пригодиться в освоении других дисциплин, уверены ученые.

Прошлогоднее исследование британских ученых заставляет усомниться и в пользе музыки для работы мозга. Оказывается, вне зависимости от того, есть ли у песни слова или это инструментальная композиция, она нарушает деятельность рабочей памяти.

FacebookВконтакте8WhatsAppTelegram


Научно-исследовательская работа «Музыкальные инструменты Древней Греции»

НАУЧНО-ОБРАЗОВАТЕЛЬНЫЙ ЦЕНТР «ЭРУДИТ»

Международный дистанционный конкурс исследовательских работ для дошкольников, учеников, студентов и педагогов

Гуманитарные науки: искусствоведение

Научно-исследовательская работа на тему:

Музыкальные инструменты Древней Греции

сквозь призму мифа

Выполнил:

Филипповская Ю.В.,

преподаватель

музыкально-теоретических

дисциплин,

учитель высшей категории

Донецк – 2017

СОДЕРЖАНИЕ

  1. Введение…………………………………………………………………3 – 4

  2. Основная часть:

Раздел 1. Мир музыки в рамках понятий «космос» и «хаос» …………5 – 7

Раздел 2. Музыкальные инструменты Древней Греции………………8 – 11

Раздел 3. Лира и флейта в мире мифа………………………………….12 – 15

  1. Заключение……………………………………………………………….16

  2. Список использованной литературы……………………………………17

  3. Приложения:

Приложение №1. Миф о состязании Аполлона и Марсия………………18

Приложение №2. Миф об Орфее и Эвридике…………………………19 – 20

Приложение № 3. Миф об острове сирен и аргонавтах (фрагмент)……….21

ВВЕДЕНИЕ

Мир музыкальных инструментов велик и многообразен. Современные и старинные, народные и симфонические, хранящие свои загадки, имеющие длинную родословную… Разобраться здесь не просто, но от этого – не менее интересно.

Знакомство с музыкальным искусством часто начинают с древности, с инструментов древних культур, с легенд и сказаний о них. Для многих содержание этих старинных историй не несет никакой иной смысловой нагрузки, чем та, что лежит на поверхности. В самом деле, для современного человека миф далеко не всегда торопится раскрыться, обернуться тайной, полной шокирующих разгадок. Тема работы – «Музыкальные инструменты Древней Греции сквозь призму мифа». Здесь мы попытаемся посмотреть на мир древнегреческих инструментов в свете мифов, рассказанных о них. Обычно мифы сопровождают рассказ об инструменте просто как красочная иллюстрация. Посмотреть на инструмент не в антураже мифа, но в его контексте – идея свежая и нетрадиционная; в этом мы видим актуальность данной работы. Главной же целью является раскрытие противостояния струнных (лиры и кифары) и духовых (авлоса и сиринги) как противостояния космических сил: порядка и хаоса.

Для достижения поставленной цели мы ставили перед собой следующие задачи:

  • Познакомиться с общим представлением о музыке у древнегреческих философов, найти определение терминов «хаос» и «космос»;

  • Выявить наиболее популярные инструменты у древних греков, составить представление о том, как они выглядели;

  • Исходя из сохранившихся легенд и сказаний установить их мифологическое происхождение и ту функцию, которую они должны были выполнять в мире людей.

Поставленные цели и задачи предполагали ознакомление со специальной литературой. Главным образом, это была книга Н. Куна «Легенды и мифы Древней Греции», детская энциклопедия «Аванта+» «Искусство. Ч.3. Музыка. Театр. Кино» (Москва, 2001), учебное пособие для ДМШ «Мировая музыкальная литература: Часть первая. Музыка, ее формы и жанры» (Ровно, 2008) и книга чешских авторов «История философии в кратком изложении» (М., 1991), преимущественно раздел, посвященный античной философии.

Предмет исследования: сакрализация музыкальных инструментов Древней Греции.

Структура работы:

Научно — исследовательская работа состоит из введения, общей части и заключения. Общая часть состоит из нескольких разделов, что обусловлено поставленными задачами. В конце работы указаны научные труды, статьи и интернет-источники, которыми пользовался автор, а также размещены приложения – тексты мифов, связанных с миром музыкальных инструментов.

РАЗДЕЛ 1. Мир музыки в рамках понятий «космос» и «хаос»

О том, какой была музыка в культуре Древней Греции современный исследователь вынужден судить по фрагментарным и косвенным данным. Это частично сохранившиеся записи на пергаменте и папирусе, и, главным образом, памятники живописи и вазописи. Именно благодаря этим искусствам можно судить о том, как выглядели музыкальные инструменты, как ими пользовались, какие легенды о них слагались.

В основном представление о древнегреческой музыке сформировано у нас трактатами философов и ученых: Пифагора, Платона, Аристотеля. В некоторой степени поэтов: Гомера, Овидия.

Важное значение имеют и археологические находки: самые древние из них — росписи и фрагменты сосудов с остова Крит и Кикладских остовов. Они датируются концом третьего – серединой второго тысячелетия до нашей эры и относятся к заре греческой цивилизации – эгейской культуре.

Осмысление феномена музыки и его связи с инструментами, извлекающими звуки, происходит сначала в виде мифов, и только потом – в виде теоретического учения. Однако, и в основе теории у греков лежит миф. Так, эстетика, и в частности, категория прекрасного выводится из противопоставления таких начал как хаос и космос.

В досократовской философии формируется понятие хаос: «Согласно Гесиоду, основой всего является хаос, который понимается как неограниченная, бесформенная масса, содержащая в себе все возможные потенции. Из него же возникают праисходные формы бытия» [1, с. 71]. «Космос», согласно Новой философской энциклопедии, у греков понимается следующим образом: «КОСМОС (греч. κόσμος, лат. mundus) – понятие древнегреческой философии и культуры, представление о природном мире как о пластически упорядоченном гармоническом целом. Древние греки противопоставляли космос хаосу. Первоначально термин «космос» употреблялся для обозначения «наряда», «украшения», «воинского строя» и т.д. Семантически наиболее близки в русском языке «порядок», «чин», «устройство», «красота», «лепота». Греческое сознание соединяло в понятии «космос» две функции – упорядочивающую и эстетическую» [2, с. 84].

Музыка как приятная слуху последовательность звуков, в которой царит слаженность, становится частью космической гармонии в учении Пифагора. «Почтенный Пифагор отвергал оценку музыки, основанную на свидетельстве чувств. Он утверждал, что достоинства ее должны восприниматься умом, и потому судил о музыке не по слуху, а на основании математической гармонии и находил достаточным ограничить изучение музыки пределами одной октавы» — так отозвался об учении Пифагора Плутарх. В этой цитате сделан упор на рациональность музыки в понимании древнегреческого философа-математика, и это имеет смысл. Дело в том, что философов классической школы – Платона и Аристотеля, — очень волнует тот факт, что помимо слаженности, точности и рациональности в музыке не менее важно чувство, эмоция, иррациональное начало.

Так, у Аристотеля мы находим такое высказывание: «Музыка имеет воспитательное значение потому, что она смягчает строгий элемент мужества, но она должна быть ограничена, поскольку кроме воспитательной музыки есть еще музыка расслабляющая, которая размягчает и развращает».

Музыкальная эстетика Платона и Аристотеля строится на подчинении законам жанра и служении всеобщей гармонии. Соблюдение четкой иерархии инструментов и жанров соответствуют соблюдению и поддержанию мирового порядка, то есть того самого «космоса». То, что нарушает этот порядок, не следует правилам, грозит непристойностями и откровенным хаосом. Подтверждением тому служит высказывание Платона: «Впоследствии, с течением времени, зачинщиками невежественных беззаконий стали поэты, одаренные природой, но не сведущие в том, что справедливо и законно в области Муз. В вакхическом исступлении, более чем надо одержимы наслаждением, смешивали они фрэны с гимнами, пеаны с дифирамбами, на кифаре следовали флейтам, перемешивая все между собой; невольно, по недоразумением, они испортили мусическое искусство, словно оно не содержало никакой правильности и словно мерилом в нем служит только наслаждение…» [см. 4]

Жить в мире, где преобладают чувства, для древнего грека неприемлемо. Это равнозначно тому, чтобы впустить в жизнь дыхание первородного, разрушительного хаоса. Между тем, музыка способна вызывать как прекрасные, достойные чувства, так и потакать человеческим слабостям, служить личному наслаждению без оглядки на всеобщее мнение. Эта суть искусства звуков нашла свое выражение в мифологии – сфере знаков и символов, которые подавались емкими и запоминающимися образами. Эти образы отпечатались в генетической памяти европейцев на века.

Миф выражал отношение человека к миру и отвечал на мучавшие его вопросы. Сказания и легенды для древнего грека были аналогом современной энциклопедии – отсюда можно было почерпнуть ответы на все вопросы: от мелких, незначительных, до важнейших, иногда – мучительных. Понимание мифа о музыке раскрывает мир древнего грека – человека, который осознает мир вокруг себя как космос, постоянно преодолевающий хаос.

РАЗДЕЛ 2. Музыкальные инструменты Древней Греции

Древние греки знают довольно ограниченный набор инструментов. Здесь четко прослеживается противостояние двух групп инструментов: струнных и духовых. К семейству струнных можно отнести лиру, кифару, формингу, самбику. Эти инструменты часто объединяют общим названием «лира». Хотя они и имели различия, последние скорее объяснялись разным происхождением. Одни инструменты имели предков в Древнем Египте, другие пришли с Ближнего востока и Малой Азии. Корпус разной формы, разное количество струн несомненно влияли на качество звука, но общее начало все же было очевидно. Этим объясняется сближение понятий и общая функция инструментов. Игрой на лире сопровождалось исполнение произведений эпической, а также лирической поэзии (отсюда термин «лирика»). Инструмент был удобен тем, что позволял петь и играть одновременно, а учитывая роль высокой поэзии – гимнов и эпосов, это повлияло и на имидж струнных. Они стали ассоциироваться с возвышенным, торжественным, зачастую трагическим началом.

Греческий миф рассказывает, что лиру изобрел юный Гермес, вестник богов: «Однажды он отважился посягнуть на стадо священных коров, принадлежавших Аполлону. Аполлон, стремясь восстановить справедливость, обратился к Зевсу с просьбой, чтобы тот рассудил их. Гермесу ничего не оставалось, как во всем признаться перед владыкой Олимпа. Но пока Аполлон возвращал своих коров из пещеры, проворный Гермес сел на камень, достал свою лиру, которую до этого сотворил из панциря черепахи, коровьих рогов и трех струн, и самозабвенно заиграл на ней. Дивные звуки наполнили долину. Изумленный Аполлон с восторгом слушал игру Гермеса и тут же, не раздумывая, отдал ему всех священных коров в обмен на лиру».

Внешний вид лиры и близких ей инструментов известен нам по многочисленным сохранившимся античным изображениям. Например, фреске Аполлон с лирой (ок. 50-125 года до н. э.) или фреске с изображением Полифема, получающего письмо от Галатеи из древнеримских Помпей. Но. Пожалуй, самое известное изображение – это роспись краснофигурной вазы V века до нашей эры «Орфей, играющий на лире» (Пергамский музей, Берлин).

Тем неожиданней выглядит облик лиры на знаменитой фреске итальянского мастера Возрождения Рафаэля Санти «Парнас», где Аполлон держит в руках инструмент, скорее напоминающий скрипку, чем античную лиру. Это виола да браччо – смычковый европейский инструмент, который располагался на плече исполнителя. От сюда и его название: по-итальянски da braccio означает «плечо». Этот факт вовсе не говорит о том, что художник не представлял, как выглядит древняя лира. Скорее наоборот, он знал это очень хорошо, ведь Возрождение видело свою цель в возвращении идеалов античности, и вместе с ними – канонов искусства. Причины же такого «нарушения» кроются в том, что, во-первых, это не осознавалось как прегрешение против истории, а во-вторых, во времена Рафаэля виола да браччо считалась самым благородным инструментом.

Духовые во многом осознаются как инструменты противоположные струнным. Способ извлечения звука позволяет выделить две группы инструментов: виды авлоса и сиринги.

Авлос – древнегреческий язычковый духовой инструмент. Представлял собой пару отдельных цилиндрических или конических трубок из тростника, дерева или кости. Значительно позднее их стали изготавливать из металла с 3-5 пальцевыми отверстиями. Длина авлоса различна, обычно около 50 см. Применялся профессиональными исполнителями для сопровождения сольного и хорового пения, танцев, во время похоронных и свадебных обрядов, культовых, военных и других ритуалов, а также в театре. Авлос также называют двуствольной флейтой: правая издавала высокие звуки, а левая — низкие. Этот инструмент был снабжен мундштуком и отдаленно напоминал гобой. Вероятно, играть на нем было нелегко, ведь в оба авлоса нужно было дуть одновременно.

Происхождение этого инструмента миф описывает следующим образом: «Авлос из костей оленя изготовила Афина и решила на пиру богов сыграть на нём. Она не могла понять, почему Гера и Афродита давились от смеха, глядя на неё. Бродя с авлосом возле ручья, Афина увидела в нём своё отражение. Тут ей стало понятно, как глупо она выглядела с напряжённым лицом и безобразно раздутыми щеками. Богиня в гневе отбросила авлос и наложила проклятье на каждого, кто осмелится его поднять. Фригийский пастух Марсий подобрал его…»

Название сиринга – или сиринкс, — объединяет древнегреческие духовые инструменты типа продольной флейты из тростника или дерева. Сиринга известна и под названием «флейты Пана» — древнегреческой пастушечьей многоствольной флейты. Инструмент состоит из набора открытых с верхнего конца тростниковых, бамбуковых и других трубочек разной длины, скрепленных тростниковыми планками и жгутом. Их было от 5 до 13. Каждая трубка издает 1 основной звук, высота которого зависит от ее длины и диаметра.

Изобретение флейты Пана тоже привязано к мифу. Мы знаем его в изложении Овидия: «В холодных аккадских горах дева-наяда жила с именем нежным — Сиринга. Часто спасалась она от богов, что в тенистом лесу обитают и в плодородных полях. Раз возвращалась Сиринга домой и увидал её Пан – бог козлоногий лесной и, пленён красотою, остановиться молил. Но, испугавшись его, убежала Сиринга от Пана к тихой реке, к Ладону, поросшему тростьем. И когда её путь преграждён был водою, взмолилась Сиринга: «Сёстры мои водяные, спасите меня, измените мой облик!». И превратилась в болотный тростник… Пану казалось уже, что догнал он Сирингу, но не девический стан, а хрупкий тростник обнимал он. И по тростинкам задвигавшись, ветер тоненький звук издавал, на жалобный голос похожий… Новым искусством пленён и сладостью звука, срезал тростинки неровные Пан и воском скрепил. Часто с тех пор приходил он на берег тенистой Ладоны и, вспоминая наяду, играл…».

Изображения авлоса и сиринги в европейском искусстве во многом было неверно. Их путали, объединяя под общим названием «свирель» или «флейта». Такая неразборчивость стала причиной грубых ошибок. Свидетельством тому – картина П.П. Рубенса «Меркурий и Аргус». В основе сюжета – миф: Юпитер поручает Меркурию убить стража Аргуса, который охранял Ио, превращенную Герой в корову. Меркурий расположил к себе Аргуса, усыпив его игрой на сиринге, а когда тот уснул, убил его. Знал ли Рубенс первоисточник сюжета — рассказ из первой книги » Метаморфоз» Овидия? Вероятно, нет, потому что в этот рассказ Овидий включил историю о том, как был создан сиринкс, и даже его техническое описание. Рубенс же дает в руки Меркурию коническую флейту, не имеющую ничего общего с сирингой.

Вообще, верное изображение этих инструментов следует искать только в археологических памятниках, в основном – в античной вазописи. Высокое искусство, такое как скульптура и фресковая живопись не слишком их жаловало, и они украшали предметы, предназначенные для хранения пищи и напитков. Что же касается европейского искусства, то правдивое изображение сиринги появляется здесь только в эпоху модерна – период слома XIX – XX веков. Это объяснялось новым витком интереса к античности, причем поиском ее незамутненного, первозданного облика. Примером могут служить картины немецкого художника Франца фон Штука «Диссонанс» и русского художника Михаила Врубеля «Пан».

РАЗДЕЛ 3. Лира и флейта в мире мифа

Древнегреческая культура, культура мифориторическая (определение русского философа, литературоведа и культуролога А.В. Михайлова) существовала в целой системе оппозиций и взаимосвязей. Низкое и высокое – оппозиция, которая может отчасти объяснить взаимоотношения между инструментами, их четкую роль в обществе и занимаемую нишу в искусстве. Она проясняет те вопросы, которые возникают у современных читателей античных мифов о музыке и накладывается на другие культурные оппозиции: рационального и чувственного, мужского и женского, светлого и темного.

Немецкий философ XIX века Фридрих Ницше в трактате 1872 года «Рождение трагедии из духа музыки» выдвинул теорию о борьбе двух начал в античном искусстве: аполлонического и дионисийского. Аполлоническое начало – это порядок, гармония, спокойный артистизм; оно порождает пластические искусства (архитектуру, скульптуру, живопись, графику). Дионисийское начало — это опьянение, забвение, хаос, экстатическое растворение индивидуальности в массе, рождающее непластическое искусство (прежде всего музыку). Аполлоническое начало противостоит дионисийскому как искусственное противостоит естественному, осуждая все чрезмерное, непропорциональное. Тем не менее, эти два начала неотделимы друг от друга, всегда действуют вместе. Они борются, по мнению Ницше, в художнике, и всегда оба присутствуют в любом художественном произведении.

Говоря о древних инструментах, это разделение прослеживается очень сильно. Несмотря на то, что музыкальное искусство Ницше полностью относит к дионисийскому, чувственному и экстатическому началу, мифы говорят о внутреннем разделении. Лира – которой занимается Аполлон, — несомненно инструмент высшего, божественного порядка. Авлос и сиринга – низшего, человеческого. В мифологии они отданы во владение низшим богам – хозяевам лесов и полелей, – фавнам.

Миф, который четко разграничивает сферы влияния инструментов и единственный раз объединят их внутри одного рассказа – миф о состязании Аполлона и Марсия. В пересказе Н. Куна победа Аполлона заканчивается показательным наказанием Марсия: с него живьем сняли кожу (см. приложение №1).

Из легенды можно сделать несколько выводов. Первый лежит на поверхности: в состязании инструментов первенство отдано лире. Второй – скрыт глубже. Это первенство необходимо: если лира – инструмент космической гармонии, а флейта черпает звуки из первозданного хаоса, их противостояние по меркам древнего человека ни в коем случае не может закончиться в пользу последнего. Хаос необходим как строительный материал для мировой гармонии, однако его следует постоянно преодолевать.

Рассказ о несчастном Марсии, подвергнутом жестокому наказанию, раскрывается в совершенно другом свете, если посмотреть на него с точки зрения древнего грека. Эту точку зрения очень верно раскрывают ученые Беляк Н.В. и Виролайнен М.Н.: «Античная картина мира дана в борении и взаимодействии хаоса и космоса. Порядок, гармония, мера не предзаданы космосу, а суть результат постоянного и специального усилия по восстановлению их, по отвоевыванию их у хаоса, из взаимодействия с которым космос выйти не может. Через трагического героя, нарушающего космический, социальный и родовой порядок, осуществляется взаимодействие с хаосом, с оргиастическим источником мира. Страстное начало в герое (тох&ос) имеет двойную природу: это и отдание себя страсти во всей ее хаотической, оргиастической силе, и страдание как искупление страсти. Трагический герой — и преступник, и искупительная жертва одновременно. Судьба назначает ему нарушить порядок — ради восстановления его. Для других он — вожатый к восстановлению порядка. Античный герой, таким образом, менее всего принадлежит самому себе. Он избран судьбой, он обречен хаосу, через него восстанавливается космос.» (3, с. 86).

Исходя из вышесказанного следует, что казнь Марсия не бессмысленная жестокость высшего бога, а необходимость, искупительная жертва, продиктованная миропорядком.

У этого мифа есть и другой, более смягченный вариант. В нем наказание несет сторонний наблюдатель – царь Мидас, которому незатейливое звучание флейты понравилось больше, чем торжественное звучание лиры. За свои предпочтения Мидас наказан не жестоко, скорее с юмором: у него вырастают ослиные уши, как символ глупости и упрямства. Человек с ослиными ушами примыкает к прочим «смешанным» существам: кентаврам, сиренам, химерам, и несет на себе четкий отпечаток хаоса (в них нет положенного космосом порядка).

В каждом из вариантов герой несет наказание, через которое происходит восстановление космического порядка.

Лира как инструмент, преодолевающий хаос, фигурирует еще в нескольких мифах, связанных с именем легендарного музыканта и певца Орфея. Первый – знаменитая легенда о том, как Орфей отправился в мир умерших за своей женой Эвридикой. Сила музыки, о которой говорят по отношению к этой истории, на самом деле – сила звучания кифары. Трудно представить, что Аид отпустил бы Эвридику, впечатленный звучанием сиринги или авлоса. В этом случае возникает только один вопрос – почему поход героя по ту сторону жизни не увенчался успехом? Ответ лежит в том же понимании сути космоса: соблюдении мирового порядка. Воскрешение из умерших не вписывается в этот порядок, а, следовательно, его допущение грозит вмешательством хаоса. Поэтому Орфей никогда и ни при каких условиях не мог бы вернуть Эвридику обратно.

Второй сюжет связан с циклом легенд об аргонавтах и с их путешествием мимо острова сирен. Сирены – полуженщины, полуптицы, существа, связанные с миром хаоса и безусловно опасные. История о том, как аргонавты справились с сиренами напрямую связана с Орфеем и звуками его золотой кифары. Согласно сказанию, на краю гибели корабля о рифы остова сирен, певец Орфей поднял свою кифару и ударил по ее «согласным струнам». Звон струн, сопровожденный голосом музыканта, заставил замолчать сирен, и выигранное время позволило развернуть корабль прочь от острова.

Обе истории раскрывают аполлонийскую суть лиры и ее близкой родственницы кифары. Эти инструменты становятся действенным средством в борьбе с хаосом.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Главной целью работы было раскрытие противостояния струнных и духовых инструментов Древней Греции как противостояния противоборствующих сил: порядка и хаоса. Эти понятия были не только составляющей частью мифа, но и самого мировоззрения древнего человека. Это нашло отражение в философских трактатах мыслителей древности, и в эстетике Платона и Аристотеля. Необходимость порядка, рационализма и в то же время его совмещение с беспорядком, чувственностью, сказались и в градации инструментов. Воплощением всего высокого и торжественного стала лира, древним флейтам была отдана противоположная роль – они стали выразителями простого, незамысловатого, народного.

Нами был рассмотрен ряд мифов:

  • О происхождении лиры и сиринги;

  • О состязании Аполлона и Марсия;

  • Об Орфее и Эвридике;

  • Об аргонавтах и острове сирен.

Опираясь на них, мы пришли к выводу, что терминология Ф, Ницше, а именно, понятия аполлоническое и дионисийское начала, в равной степени могут относиться не только к искусствам, но и к конкретным инструментам древности. В древнегреческой культуре они становятся необходимым противостоянием, жизненно важной оппозицией. В свете такого положения вещей становятся понятны необычные исходы сюжетов легенд, функции инструментов в мифах, наконец их распределение в музыкальных жанрах Древней Греции и последующая роль в европейском искусстве.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

  1. История философии в кратком изложении М., 1991

  2. Павленко А. Н. Космос // Новая философская энциклопедия — 2-е изд., испр. и допол. — М.: Мысль, 2010.

  3. Беляк Н.В. Виролайнен М.Н. «Маленькие трагедии» как культурный эпос новоевропейской истории. //Пушкин. Исследования и материалы. Т. 14. М., 1991.

  4. Платон. Законы. Книга III — М.: «Мысль», 1999.

  5. Кун Н. «Легенды и мифы Древней Греции»

  6. Мировая музыкальная литература: Часть первая. Музыка, ее формы и жанры. Учебное пособие для учащихся детских музыкальных школ: Ровно, «Каллиграф», 2008.

  7. Энциклопедия для детей. Том 7. Искусство. Ч.3. Музыка. Театр. Кино – Москва: Аванта+, 2001

ИНТЕРНЕТ — ИСТОЧНИКИ:

  1. Музыкальные инструменты в мифологии и живописи // http://www.liveinternet.ru/users/barucaba/post121122117/

  2. Лира в живописи//

http://www.liveinternet.ru/users/elinor_051/post326148709

ПРИЛОЖЕНИЯ

Приложение №1.

Миф о состязании Аполлона и Марсия

«Однажды, блуждая по полям Фригии, Марсий нашел тростниковую флейту. Ее бросила богиня Афина, заметив, что игра на изобретенной ею самой флейте обезображивает ее божественно прекрасное лицо. Афина прокляла свое изобретение и сказала:

Пусть же жестоко будет наказан тот, кто подымет эту флейту.

Ничего не зная о том, что сказала Афина, Марсий поднял флейту и вскоре научился так хорошо играть на ней, что все заслушивались этой незатейливой музыкой. Марсий возгордился и вызвал самого покровителя музыки Аполлона на состязание.

Аполлон явился на вызов в длинной пышной хламиде, в лавровом венке и с золотой кифарой в руках.

Каким ничтожным казался перед величественным, прекрасным Аполлоном житель лесов и полей Марсий со своей жалкой тростниковой флейтой! Разве мог он извлечь из флейты такие дивные звуки, какие слетали с золотых струн кифары предводителя муз Аполлона! Победил Аполлон. Разгневанный вызовом, он велел повесить за руки несчастного Марсия и содрать с него живого кожу. Так поплатился Марсий за свою смелость. А кожу Марсия повесили в гроте у Келен во Фригии и рассказывали потом, что она всегда начинала двигаться, словно танцевала, когда долетали в грот звуки фригийской тростниковой флейты, и оставалась неподвижной, когда раздавались величавые звуки кифары.»

Приложение №2.

Миф об Орфее и Эвридике

Орфей, великий певец, сын речного бога Эагра и музы песнопений Каллиопы, жил во Фракии. Его женой была нежная и красивая нимфа Эвридика. Прекрасное пение Орфея, его игра на кифаре не только увлекали людей, но зачаровывали растения и животных. Орфей и Эвридика были счастливы, пока на них не обрушилась страшная беда. Однажды, когда Эвридика со своими подругами нимфами собирала цветы в зеленой долине, их подстерегла спрятавшаяся в густой траве змея и ужалила жену Орфея в ногу. Яд быстро распространился и оборвал ее жизнь. Услышав скорбный плач подруг Эвридики, Орфей поспешил в долину и, увидев хладное тело Эвридики, нежно любимой жены, пришел в отчаяние и горько стенал. Природа глубоко сострадала ему в его горе. Тогда Орфей решился отправиться в царство мертвых, чтобы увидеть там Эвридику. Для этого он спускается к священной реке Стикс, где скопились души умерших, которых перевозчик на ладье Харон отправляет во владения Аида. Сначала Харон отказал Орфею в просьбе переправить его. Но тогда Орфей заиграл на своей золотой кифаре и чудной музыкой очаровал мрачного Харона. И тот перевез его к трону бога смерти Аида. Посреди холода и тишины подземного царства зазвучала страстная песня Орфея о его горе, о муках разбитой любви к Эвридике. Все, кто были рядом, поразились красотой музыки и силой его чувства: и Аид, и его жена Персефона, и Тантал, забывший о терзавшем его голоде, и Сизиф, прекративший свою тяжкую и бесплодную работу. Тогда Орфей изложил свою просьбу вернуть на землю жену Эвридику. Аид согласился ее выполнить, но при этом изложил свое условие: Орфей должен следовать за богом Гермесом, а за ним пойдет Эвридика. Во время же пути по подземному царству Орфею нельзя оглядываться: в противном случае Эвридика покинет его уже навсегда. Когда появилась тень Эвридики, Орфей пожелал ее обнять, но Гермес велел ему этого не делать, так как перед ним лишь тень, а впереди долгий и трудный путь.

Быстро миновав царство Аида, путники достигли реки Стикс, где Харон переправил их на своей ладье к тропинке, круто ведущей вверх к поверхности земли. Тропинка была загромождена камнями, вокруг царил мрак, а впереди маячила фигура Гермеса и едва брезжил свет, что говорило о близости выхода. В этот момент Орфея охватила глубокая тревога за Эвридику: поспевает ли она за ним, не отстала ли, не потерялась ли в сумраке. Прислушавшись, он не различил позади никакого звука, что обострило тревожное чувство. Наконец, не выдержав и нарушив запрет, он обернулся: почти рядом с ним он увидел тень Эвридики, протянул к ней руки, но в то же мгновенье тень растаяла во мраке. Так ему пришлось вторично пережить смерть Эвридики. И на этот раз по собственной вине.

Охваченный ужасом, Орфей решает вернуться к берегам Стикса, вновь проникнуть в царство Аида и молить бога вернуть любимую жену. Но на этот раз мольбы Орфея уже не тронули старого Харона. Семь дней провел на берегу Стикса Орфей, но так и не смягчил суровое сердце Харона, а на восьмой вернулся к себе во Фракию.

Приложение № 3.

Миф об острове сирен и аргонавтах (фрагмент)

Сильными взмахами вёсел гнали они свой корабль прямо на рифы. Там на гладкообточенном камне, над самой водой, вполоборота к пловцам сидели три девы-певицы. Наполовину скрытые камнем, они манили к себе аргонавтов и пели волшебную песнь. Их волосы отливали на солнце то медью, то зеленью. Руки тянулись навстречу героям. Большие глаза, холодные, как глаза змей, не отрываясь следили за «Арго». И, повинуясь волшебному взгляду, кормчий Тифии направил корабль прямо на камень. Точно во сне он видел и рифы, и золотистую мель, но под действием чар ему казалось, что лучше разбиться о риф, чем уплыть от острова прочь, не упившись чудесным пением. То же чувствовали и другие пловцы. Только мудрый Орфей не поддался волшебству. Встав на носу корабля в длинной волнистои хламиде, поднял кифару певец и по струнам рукою ударил. Мерно под ловкой рукой загремели согласные струны, страшных певиц голоса заглушая торжественным хором. Так пел аргонавтам Орфей, и сами Сирены заслушались песни.

Они не понимали человеческой речи, но голос певца казался им слаще и чище их собственных голосов. А звуки его кифары так удивили коварных сестёр, что они замолчали, в недоуменье глядя на быстро идущий корабль.

Семь древних мифов о музыкальных инструментах

Все мы знаем, что музыка полезна для человеческого разума: она снижает тревожность, уровень боли, изменяет мозговые волны и, конечно же, помогает развитию мозга младенцев. Достоинства музыки были известны с незапамятных времен: древняя мифология, независимо от ее географического положения, изобилует мифами о силе музыкальных инструментов, которые обычно способны навести порядок в хаосе, очаровать божеств и, фактически, разрешить конфликт внутри одной семьи.

Браги, Золотая арфа и Песнь жизни

Сын Одина Браги, которого он породил с великаншей Гуннлод, дочерью хранительницы чанов с медом, был подарен гномами золотой арфой, как только он был родившийся. Затем они посадили его на один из своих сосудов и отправили в мир. Он достиг царства Наина, карлика смерти. Браги почти не подавал признаков жизни, но тут он внезапно сел, схватил золотую арфу и запел песню жизни. Пока он играл, его судно продолжало двигаться и вскоре было выброшено на берег.Браги ступил на землю и, пробираясь в лес, продолжал играть: от звука его музыки деревья распускались и расцветали, а трава быстро засыпалась цветами. Там он встретил Идунн, богиню бессмертной юности. Вместе они отправились в Асгард, где Один начертил руны на языке Браги и сделал его официальным «бардом» и составителем песен, прославляющих богов и героев, которых валькирии принесли в Валгаллу.

Дагда и Уайтне, арфа, которая могла упорядочить времена года.

Уайтне — арфа, принадлежащая Дагде, «отцовскому» Богу, который также действует в качестве защитника племени.Его арфа, которая может одновременно расставлять сезоны в правильном порядке и командовать в бою, также известна как Дур да Бла, «Дуб двух цветов» и «Койр Цетар Чуин», Четырехугольная музыка. После второй битвы при Маг Туиред фоморы захватили Уайтне, а Дагда нашел его в пиршественном доме. Он связал арфу, чтобы она не звучала, пока он не позвал ее. Итак, он позвал его, и Уайтн сразу же спрыгнул со стены и, направляясь к своему хозяину, убил девять человек.

Пан и его флейта

Флейта Пан была сделана из полого тростника. Сиринкс была водной нимфой Аркадии, дочерью речного бога Лэндона. Однажды она возвращалась с охоты, когда ее встретил Пан. Она хотела избежать соблазна бога, поэтому она убежала и в конце концов присоединилась к своим сестрам, которые немедленно превратили ее в тростник. Воздух, дующий через такие тростники, издавал жалобную мелодию, и Пан, который все еще был увлечен и не мог отличить одну тросточку от другой, взял несколько тростей, сколотил семь частей и соединил их на меньшие отрезки, образовав таким образом музыкальный инструмент «сиринкс». который в конечном итоге носил то же имя, что и его возлюбленная Сиринкс.

Гермес и лира, сделанная из черепах

Еще с младенчества бог Гермес, сын Зевса и Майи (самой красивой из плеяд) был хитрым и хорошо разбирался в «искусстве» воровства. . Через несколько часов после своего рождения он попытался украсть часть быков, принадлежащих его брату Аполлону, но по пути он нашел черепаху. Он убил его и, натянув семь струн на его оболочку, изобрел лиру и сразу же начал играть с удивительным мастерством.После того, как он некоторое время развлекался с инструментом, он вернул объект в свою колыбель и в конце концов сумел отделить пятьдесят быков от стада Аполлона. Между двумя братьями возник спор, и в конце конфликта они оказались в покоях Гермеса, и Гермес коснулся струн своей лиры. До этого Аполлон привык к звуку своей трехструнной лиры и сиринкса (духового инструмента), и, как только он услышал звук инструмента, созданного его братом, он сказал Гермесу, что может оставить волов. и получите власть над стадами и стадами в обмен на лиру, сделанную черепахами.

Орфей, его лира и его поющая отрубленная голова

Жена Орфея, Эвридика, гуляла среди своего народа в высокой траве на своей свадьбе, когда сатир увидел ее. Пытаясь спастись от него, Эвридика попала в гнездо змей и была смертельно укушена за пятку. Вскоре после этого Орфей обнаружил ее тело и, охваченный горем, начал играть на своей лире. Он сыграл такую ​​грустную, заунывную и красивую песню, что плакали все нимфы и боги. Они предложили Орфею отправиться в подземный мир по порядку, и, в конце концов, его музыка смягчила сердца Аида и Персефоны, которые согласились позволить Эвридике вернуться к живым при одном условии: Орфей должен был идти перед ней и не оглядываться, пока они оба достигли верхнего мира.Как только он снова появился, Орфей снова повернулся, чтобы посмотреть на нее, но, к сожалению, Эвридика все еще была в подземном мире, и Аид и Персефона потребовали, чтобы оба были в верхнем мире, чтобы Орфей мог смотреть на свою жену. Беспокойство Орфея привело к тому, что Эвридика исчезла навсегда.

Что касается его смерти, Овидий рассказывает, что после неудачи с Эвридикой он воздержался от любовниц и передал свои чувства юным мальчикам, желая насладиться их «ранним цветением».Многие женщины горевали из-за этого отвержения, особенно циконианские женщины, которые были последователями Диониса. Сначала они бросали в него камни и палки, пока он играл на своей лире, но мелодия была такой красивой, что камень и палки отказывались касаться его тела. Итак, в вакхическом безумии женщины разорвали его на куски. Его голова и его лира все еще могли петь песни и плыли по реке Хебрус к берегу Средиземного моря. Затем волны понесли их на Лесбос, и жители в конце концов похоронили его голову.Что касается его лиры, то она подверглась катастеризму: музы унесли ее на небеса и поместили среди звезд.

Вяйнямёйнен и две его арфы

Финский полубог Вяйнямёйнен подошел к водопаду. Там он убил щуку и сделал арфу из костей рыбы. Однако он уронил свой инструмент в море, и таким образом он попал во власть морских богов, отсюда и возникла музыка океана на пляже. Итак, герой сделал еще один из лесного леса, и с ним он спустился в Похьёлу, подземный мир, в поисках мистического Сампо, неопределенного артефакта, который может принести удачу своему смотрящему.В этом царстве тьмы Вяйнямёйнен ударил по своей арфе и усыпил жителей: поэтому он убежал с Сампо и почти снова достиг страны света, когда жители Похьёлы снова проснулись и пошли за ним, чтобы забрать Сампо, который в борьбе упал в море и был неминуемо проигран.

Вяйнямёйнен со своей пикой кантеле перед Старым студенческим домом Хельсинкского университета.

Тристан и арфа, которая привела в движение трагедию влюбленных

Ну, технически два знаменитых влюбленных выпили любовное зелье, замаскированное под яд, но до того, как их роман официально начался, они познакомились друг с другом благодаря Арфа Тристана.Ирландский герцог Морхольт — гигантский и очень могущественный рыцарь — потребовал дань от корнуоллского короля Марка. Тристан, который был выдающимся рыцарем Корнуолла, решил сразиться с Морхолтом в единоборстве, и три дня спустя два рыцаря встретились на острове: Тристан уничтожил свою лодку, так что только победитель мог покинуть остров живым, и после В ожесточенном сражении Морхолд был смертельно ранен, в то время как рана Тристана была явно менее серьезной, хотя Морхолд ранил его оружием, смазанным ядом.Только Изольда Старшая, сестра Морхольда, могла залечить эту рану.

При захоронении Морхолда дочь Изольды Старшей Изольда Прекрасная нашла осколок меча Тристана в ране Морхолда и хранила его при себе. Вскоре после возвращения Тристана в Корнуолл его рана начала гноиться, и, поскольку никакие врачи не могли его вылечить, он попытался вернуться в Ирландию, чтобы заставить кого-нибудь из Изольд вылечить его, хотя он убил одного из их родственников. Он выдавал себя за арфиста Тантриса.Его навыки игры на арфе были настолько замечательны, что Изольда Прекрасная хотела научиться играть, и, в зависимости от того, какую версию вы читаете, она или Изольда Старшая залечили его рану, и через сорок дней он вернулся в Корнуолл.

Лира — Всемирная историческая энциклопедия

Лира была струнным музыкальным инструментом, на котором играли древние греки, и, вероятно, была самым важным и известным инструментом в греческом мире. Он был тесно связан с другими струнными инструментами: Chelys , который был сделан из панциря черепахи, четырехструнным phorminx и семиструнным kithara .

В греческой мифологии все четыре инструмента часто называют взаимозаменяемыми в различных мифах, и Гермесу приписывают их изобретение. Бог-посланник сделал инструмент из панциря черепахи, кишок и тростника, главным образом, чтобы помочь ему украсть 50 призовых коров из священного стада Аполлона. Аполлон обнаружил кражу и был умиротворен только предложением Гермеса лиры. С этого момента Аполлон считался игроком по преимуществу лиры. Аполлон также научил другого великого мифического музыканта, Орфея, игре на инструменте, который станет его эмблемой.Считалось, что Орфей был фракийцем, что помогло укрепить веру в то, что лира возникла здесь. Однако изобретение семиструнной версии лиры приписывают Терпандеру с Лесбоса. Другие мифические фигуры, которые часто можно увидеть с лирой, включают Эроса и муз.

На лире играли отдельно или как аккомпанемент к пению или лирическим стихам.

Струнный инструмент обычно имел два фиксированных вертикальных рычага ( pecheis ) или рожка ( kerata ) и перекладину ( zygos ) с колышками ( kollopes ) из ​​бронзы, дерева, слоновой кости или кости.Семь струн ( neurai или chordai ) равной длины, но разной толщины (обычно сделанные из овечьей кишки), протянутые между перекладиной и фиксированным хвостовиком ( chordotonon ), на которых играли путем игры или ощипывания вручную, обычно с использованием струнных инструментов. плектр из дерева, слоновой кости или металла. Играли сидя или стоя, инструмент держали в руке и иногда поддерживали ремнем для переноски, который носили через плечо игрока. Большинство музыкантов, игравших на лире, были мужчинами, но некоторые изображения в искусстве, особенно глиняные танцоры из минойского Палаикастро (1420–1300 гг. До н.э.), действительно изображают играющую на лире женщину.Конечно, музыканты пользовались особым статусом как своеобразный костюм длинного платья на греческих художественных выставках. Кроме того, минойские иероглифы имели уникальный символ для музыкантов, а табличка с линейным письмом B из Фив (1250–1200 гг. До н.э.) упоминает лировистов как членов персонала микенского дворца.

На лире играли либо отдельно, либо в качестве аккомпанемента к пению или лирической поэзии во всех случаях, таких как официальные банкеты, симпозиумы (частные вечеринки с выпивкой), религиозные церемонии, похороны и музыкальные соревнования, например, проводимые в великие праздники Панатаная, Пифия и Карнейя.

Греческие лиры часто изображаются во всех формах греческого искусства, а самые ранние образцы относятся к среднему бронзовому веку (около 2000 г. до н.э.) в кикладской и минойской цивилизациях. В Акротири на Тере на фреске изображена небольшая треугольная лира, на которой играет синяя обезьяна. В Кноссе на Крите небольшая алебастровая лира украшена лебединой головой на каждой руке инструмента. Чуть позже, по всему Эгейскому морю, в XIV веке до нашей эры, у лир появились S-образные рукава, которые часто украшались водоплавающими птицами.Лира также использовалась в качестве декоративных мотивов на керамике позднего минойского периода. Саркофаг из Святой Триады изображает семиструнную лиру, настенная роспись из микенского Пилоса изображает пятиструнную лиру, а кратер из Тиринфа изображает трехструнную версию. Украшенные слоновой костью фрагменты лир сохранились в Микенах. Лира часто появляется на более поздней греческой керамике — геометрической, красно- и чернофигурной — начиная с 8 века до нашей эры. Интересно, что все лиры, изображенные в греческом искусстве, правши.

Calymna Silver Stater

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Сохранился черепаховый звуковой ящик V века до нашей эры, как и колки для звука VI века до нашей эры. Сохранилось несколько резных фигур из лир, в частности, инкрустированного слоновой костью юноши из Самоса (ок. 7 век до н. Э.) И женщины со сфинксом и лебедем из ок. 600 г. до н. Э. Полные лиры сохранились от эллинистического периода, ярким примером является бронзовая лира от кораблекрушения Antikythera.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Музыка, особенно игра на лире, была неотъемлемой частью греческого образования. Даже мифические персонажи пользовались преимуществами музыкального образования; например, Ахиллеса учил играть на лире мудрый кентавр Хейрон. Платон считал подходящими инструментами для музыкального образования только лиру или кифару .

Несколько греческих городов-государств ( полис ) также использовали изображение лиры на своих монетах.Например, серебряный статер Калимны в Карии (600–550 гг. До н.э.) имел лиру из панциря черепахи на обратной стороне. Неудивительно, что, учитывая ее связь с Аполлоном, серебряная драхма Делоса имела лиру на реверсе в VI веке до нашей эры. На монетах Коса II — I веков до н.э. на лицевой стороне изображена голова Аполлона, а на реверсе — пятиструнная лира. В тот же период монеты Феспиа, где был храм, посвященный Аполлону, а другой — музам, имели на оборотной стороне трехструнную лиру.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Музыкальный миф | EurekAlert! Новости науки

Дети получают много пользы от уроков музыки — обучение игре на музыкальном инструменте может стать отличным проявлением творческих способностей ребенка, а повторяющаяся практика может научить столь необходимой концентрации и дисциплине. Более того, вознаграждение, будь то разучивание новой песни или просто освоение нового аккорда, часто является повышением самооценки.

Но исследователи из Гарварда теперь говорят, что одно из часто упоминаемых преимуществ — изучение музыки улучшает интеллект — является мифом.

Несмотря на то, что его поддержали все, от сторонников художественного образования до родителей, надеющихся побудить своих детей продолжать уроки игры на фортепиано, пара исследований, проведенных Сэмюэлем Мехром, докторантом Гарвардской школы образования, работающим в лаборатории Маршалла Л. Беркман, профессор психологии Элизабет Спелке, не обнаружила влияния занятий музыкой на познавательные способности маленьких детей.Исследования описаны в статье от 11 декабря, опубликованной в журнале открытого доступа PLOS ONE .

«Более 80 процентов взрослых американцев думают, что музыка улучшает успеваемость или интеллект детей», — сказал Мехр. «Даже в научном сообществе существует общее мнение, что музыка важна по этим внешним причинам — но существует очень мало доказательств, подтверждающих идею о том, что занятия музыкой улучшают когнитивное развитие детей».

Мнение о том, что музыкальное обучение может сделать кого-то умнее, сказал Мехр, во многом можно проследить благодаря единственному исследованию, опубликованному в Nature.В нем исследователи определили то, что они назвали «эффектом Моцарта» — после прослушивания музыки испытуемые лучше справлялись с пространственными задачами.

Хотя исследование позже было опровергнуто, представление о том, что простое прослушивание музыки может сделать кого-то умнее, прочно вошло в общественное воображение и послужило толчком для проведения множества последующих исследований, в том числе нескольких, которые были сосредоточены на когнитивных преимуществах уроков музыки.

Хотя в десятках исследований изучалась возможность связи музыки и когнитивных навыков и как именно, когда Мехр и его коллеги проанализировали литературу, они обнаружили всего пять исследований, в которых использовались рандомизированные испытания, золотой стандарт для определения причинного воздействия образовательных вмешательств на развитие ребенка.Из пяти только один показал однозначно положительный эффект, и он был настолько небольшим — всего на 2,7 балла прирост IQ после года занятий музыкой — что его едва хватило, чтобы быть статистически значимым.

«Экспериментальная работа по этому вопросу находится в зачаточном состоянии, но несколько опубликованных исследований по этой теме мало доказывают, что« музыка делает вас умнее », — сказал Мехр.

Чтобы изучить связь между музыкой и познанием, Мехр и его коллеги привлекли 29 родителей и четырехлетних детей из Кембриджа.После первоначальных тестов на словарный запас для детей и тестов на музыкальные способности для родителей каждого из них случайным образом распределили в один из двух классов — один, где они будут получать музыкальное образование, или другой, ориентированный на изобразительное искусство.

«Мы хотели проверить влияние того типа музыкального образования, который на самом деле происходит в реальном мире, и мы хотели изучить эффект у маленьких детей, поэтому мы реализовали программу обогащения музыки для родителей и детей с дошкольниками», — сказал Мехр. «Цель состоит в том, чтобы поощрять музыкальные игры между родителями и детьми в классной среде, что дает родителям обширный набор музыкальных занятий, которые они могут продолжать использовать дома со своими детьми.«

Среди ключевых изменений, которые Мехр и его коллеги внесли в более ранние исследования, были контроль влияния разных учителей — в отличие от других исследований, Мехр преподавал как музыку, так и уроки изобразительного искусства — и использование инструментов оценки, разработанных для проверки четырех конкретных областей познания, словарного запаса и математики. , и две пространственные задачи.

«Вместо использования чего-то общего, например теста IQ, мы проверили четыре конкретных области познания», — сказал Мехр. «Если музыкальные тренировки действительно влияют на познавательные способности детей, мы должны лучше обнаружить его здесь, чем в предыдущих исследованиях, потому что эти тесты более чувствительны, чем тесты общего интеллекта.«

Результаты исследования, однако, не показали никаких доказательств когнитивных преимуществ музыкального обучения.

В то время как обе группы сравнительно справились с задачами по оценке словарного запаса и числа, оценки показали, что дети, получившие музыкальное образование, немного лучше справились с одним пространственным заданием, тогда как те, кто прошел обучение изобразительному искусству, лучше справились с другим.

«Исследование 1 было очень маленьким — у нас было всего 15 детей в музыкальной группе и 14 в изобразительном искусстве», — сказал Мехр.«Эффекты были крошечными, а их статистическая значимость была в лучшем случае предельной. Итак, мы попытались повторить исследование, чего не было сделано ни в одной из предыдущих работ»

Чтобы воспроизвести эффект, Мехр и его коллеги разработали второе исследование, в котором было задействовано больше участников — 45 родителей и детей, половина из которых получили музыкальное образование, а половина — не обучались.

Как и в первом исследовании, сказал Мехр, не было никаких доказательств того, что музыкальное обучение приносит какую-либо когнитивную пользу.Даже когда результаты обоих исследований были объединены, чтобы позволить исследователям сравнить эффект обучения музыке, обучению изобразительному искусству и отсутствию обучения, не было никаких признаков того, что какая-либо группа превзошла другие.

«Были небольшие различия в показателях между группами, но ни одна из них не была достаточно большой, чтобы быть статистически значимой», — сказал Мехр. «Даже когда мы использовали самый точный статистический анализ, доступный нам, эффектов просто не было».

Хотя результаты показывают, что изучение музыки не может быть кратчайшим путем к успеху в учебе, Мехр сказал, что музыкальное образование по-прежнему имеет значительную ценность.

«Есть веские доводы в пользу обучения музыке, которые не имеют ничего общего с внешними преимуществами», — сказал он. «Мы учим детей Шекспиру не потому, что думаем, что это поможет им лучше сдать экзамены SAT, мы делаем это потому, что верим, что Шекспир важен».

«Музыка — это древняя, уникальная человеческая деятельность — самым старым флейтам, которые были выкопаны, 40 000 лет, и человеческие песни намного предшествовали этому», — продолжил он. «В каждой культуре мира есть музыка, в том числе музыка для детей.Музыка что-то говорит о том, что значит быть человеком, и было бы безумием не учить этому наших детей ».

###

Музыкальный инструмент Элизабет Барретт Браунинг

I.

ЧТО он делал, великий бог Пан,

В камышах у реки?

Распространение разорения и запрет рассеивания,

Брызги и гребля копытами козла,

И разбивание золотых лилий на плаву

Со стрекозой на реке.

II.

Он вырвал тростник, великий бог Пан,

Из глубокого прохладного русла реки:

Прозрачная вода мутно текла,

И лежали умирающие лилии,

И стрекоза убежала,

прежде, чем он вынес ее из реки.

III.

Высоко на берегу насыти великий бог Пан,

Пока мутно текла река;

И рубил и рубил, как может великий бог,

Своей твердой холодной сталью на терпеливом тростнике,

Пока не было и следа листа

Чтобы доказать, что он только что из реки.

IV.

Он оборвал его, сделал великий бог Пан,

(Как высоко он стоял в реке!)

Затем вытащил сердцевину, как сердце человека,

Неуклонно извне кольцо,

И зарубил бедное пустое сухое

В ямках, как насытился у реки.

V.

Вот путь, — смеялся великий бог Пан,

Смеялся, сидя у реки. музыка, они могли добиться успеха.’

Затем, опустив рот в дыру в тростнике,

Он дунул силой у реки.

VI.

Сладкий, сладкий, сладкий, о Пан!

Сладкое пирсинг у реки!

Ослепительно сладкий, о великий бог Пан!

Солнце на холме забыло умереть,

И ожили лилии, и стрекоза

Вернулась в сон на реке.

VII.

И все же половина зверя — великий бог Пан,

Смеяться, сидя у реки,

Делать поэта из человека:

Истинные боги вздыхают о цене и боли, —

Для тростника, который больше никогда не вырастет

Как тростник с тростником в реке.

Мифы о ранней музыке — традиционная музыка и инструменты

Дело не в музыке.Это любимая тирада о распространенном использовании слова «традиционный», что почти бессмысленно. Недобросовестные рекламодатели часто его используют, потому что вызывает ностальгию, и ностальгия продает. В следующий раз, когда вы купите банку «традиционного мармелада», спросите сами то, что вы на самом деле покупаете. Он по-прежнему производится на огромной фабрике, в нем все еще есть эмульгаторы и желирующие агенты, и это бледная имитация вкусных вещей, которые твоя бабушка раньше делал. Все, что они сделали, это подправили вкусовые добавки и настроили измельчитель. чтобы срезать кожуру немного больше.Итак, «традиционный» лейбл — это мошенничество, не так ли? Да, это. Но так идея, что мармелд вашей бабушки был настоящим «традиционным» рецептом. Может она использовала настоящие севильские апельсины, а может, и нет. Предположим, она сварила его и уменьшила до тех пор, пока был действительно густым и липким, затем вылил его на деревянный поднос, чтобы остыть, и нарезал в результате получается что-то вроде мягкого фруктового ириса. Это елизаветинский метод, и он намного старше чем твоя бабушка.Так он более традиционный? Нет, это просто странно и очень плохо для твоего зубы.

Другой пример. Я не использую Dreamweaver, Frontpage или какие-либо новые автоматизированные инструменты для создать этот сайт. Я пишу HTML традиционным способом, вручную. ТРАДИЦИОННЫЙ? я говорю о придерживаясь рабочего метода, который все еще широко используется, и ему уже исполнилось 10 лет. А также все же это предложение имеет смысл. Если бы я написал это, не обращая на это внимания, мало кто запросить это.

В том-то и дело. Что бы ни говорилось в словарном определении, слово «традиционный» в обиходе просто означает «предыдущий метод» или, что еще хуже, «старый» в самом расплывчатом смысле. Объекты и практика не обязательно должна быть определенного возраста, чтобы быть «традиционной». Им просто нужно было уйти вышла из употребления или была заменена альтернативой. Они определенно не должны быть лучше. Например, традиционные шурупы по дереву, хотя и доступны, по всем параметрам уступают обычным. современный глубокий двухспиральный тип.Они даже не дешевле. Если очень хочется «традиционного» метод соединения деревянных досок или крепления петель, используйте гвозди ручной работы.

То же и с музыкой. Часто можно встретить мелодию с надписью «традиционный». Это значит, что у издателя нет ресурсов, чтобы исследовать его происхождение, и он не собирается рисковать приблизительная дата на основе стилистической оценки. Так что это могло быть что угодно от 14 века до Викторианский. «Традиционная» песня немного более значима.По крайней мере, подразумевается, что он передавался и воспевался простыми людьми в течение … ну, сколько поколений прежде, чем это станет «традиционным»? Одна из самых любимых традиционных песен рыбаков Ярмута. прекрасный «По косякам селедки». Вы услышите это во всех прибрежных фолк-клубах. Написано Эваном Макколлом в 1959 году.

Вот такая мысль. Назовите какую-нибудь «традиционную британскую рождественскую музыку». Хорошо, вот оно — «Я хочу это могло быть Рождество »Wizzard.«Остановить кавалерию» Йоны Леви. «Счастливого Рождества Everybody «Слэйда.» Омела и вино «Клиффа Ричарда. Это песни, которые население повсюду слышит в супермаркетах и ​​торговых центрах. Исполнителей больше нет тока (прости, Клифф), и выросло поколение молодых людей, незнакомых с остальными их продукции. Именно эти песни у них ассоциируются с Рождеством и другими его праздниками. «традиции». Колядки, средневековые или эдвардианские, больше не являются «традиционными», несмотря на все усилия Церкви.Как стрип-ферма и рубка кремня, они слишком стары, чтобы быть «традиционный», за исключением церковного меньшинства.

Примените «традиционный» к музыкальным инструментам (как это делают многие люди), и вы получите равномерный болото побольше. Инструменты радикально менялись примерно каждое столетие. Итак, какие «традиционные»? 19 век? 18-ый век? 17-е? 16-е? 15-е? Те, у кого самый длинный непрерывная история — это орган и скрипка, но их не часто называют «традиционные», потому что они по-прежнему сильны.Я рад видеть, что некоторые мужчины Морриса вернулись к практике танцев под свирель и табор в XVI и начале XVII веков. вместо ныне почти повсеместного мелодеона. И все же мелодеон имеет давнюю, хотя и сравнительно недавний, ассоциация с Моррисом. Если тенденция трубного табора продолжится, я могу увидеть Мелодеон в конечном итоге возродился как «традиционный» инструмент Морриса.

Другой термин, часто применяемый к инструментам, — «старый».Это слово хорошо, пока ты понять, что это относительно. «Старый» человек — ну, в наши дни, я полагаю, кому-то больше шестидесяти, если вы не подросток, в этом случае вам больше тридцати. Прилагательное работает, потому что средняя продолжительность жизни человека примерно постоянна. Но «старый» рок бессмыслен. Есть верхний предел составляет около четырех с половиной миллиардов лет, но в пределах этого все зависит от контекст. Однажды меня попросили посмотреть на «очень старый» музыкальный инструмент.Описание было довольно расплывчато. Долгожданная костяная флейта эпохи неолита, около 12000 г. до н.э., оказалась Индийский церемониальный боевой горн, около 1850 г.

Итак, в следующий раз, когда вы обнаружите, что собираетесь применить ленивые «традиционные» или «старые» теги к некоторым причудливо устаревший объект или действие (да, я тоже это делаю), просто подумайте, что вы действительно имеете в виду, или действительно ли вы имеете в виду что-нибудь много. Иногда, как в случае с мармеладом, не имеет значения, но если вы намерены передать какую-либо полезную информацию, разумно использовать что-то более точное.

Терменвокс: самый странный инструмент из когда-либо изобретенных?

Эйк, тем временем, создала свою собственную новую технику игры, которую она изложила в своей книге 2006 года «Искусство игры на терменвоксе». Другие исполнители тоже принесли за столом терменвокс индивидуальные приемы, например, «ходячий бас» Памелии Курстин.

Хотя сложность игры на его инструменте помешала Термену заработать состояние, этот замечательный человек продолжал свою изобретательскую линию в 1930-х годах, от создания ранних драм-машин до создания новых измерительных приборов для самолетов США.Но когда сгустились грозовые тучи войны, Терменвора внезапно отозвали в Россию, унесенного советскими агентами в сентябре 1938 года.

По словам его биографа Альберта Глинского, Кремль поощрял пребывание Терменвора в США: якобы как демонстрация советских технологий, но на самом деле для того, чтобы позволить ему заниматься промышленным шпионажем.

Придя домой, терменвокс не прославился как гений, а стал жертвой сталинских политических чисток. Отправленный в специальную тюрьму для ученых в Сибири, его творения включали одно из самых известных подслушивающих устройств времен холодной войны, которое считалось предшественником технологии радиочастотной идентификации (RFID).Один из них, прозванный просто «Вещь», был спрятан на деревянной доске, которая висела в офисе посла США в Советском Союзе в течение семи лет, пока не была обнаружена в 1952 году.

Выпущенный в 1947 году, терменвокс продолжал работать в системе государственной безопасности до разработки электронных музыкальных инструментов в Московской консерватории. Он вернулся в США с визитом в 1991 году, незадолго до распада Советского Союза, только тогда узнав, как его инструмент повлиял на массовую культуру.

Жуткие саундтреки

Несмотря на то, что терменвокс задуман как инструмент для концертного зала или как новинка домашнего исполнения, уникальный звук порождал причудливые, потусторонние звуки для множества мистических, ужасных и научно-фантастических фильмов 1940-х и 1950-х годов.Это стало отправной точкой для встречи с инопланетянами, наиболее известной в классическом фильме 1951 года «День, когда Земля остановилась» (музыка Бернарда Херрманна). Среди других известных авторов, наряду с множеством фильмов категории B, есть «Потерянные выходные» и библейский блокбастер «Десять заповедей».

Оскароносный саундтрек Миклоша Рожи к фильму Альфреда Хичкока 1945 года «Зачарованные» — еще один знаменитый пример атмосферных терменвоксов, оказавший особое влияние на Эйка. «Я любила смотреть это в детстве, и у меня всегда были мурашки по коже, когда я слышала, как терменвокс играет свою роль», — рассказывает она.

Magnúsdóttir стремится привлечь внимание к тем, кто играл в голливудских саундтреках, а также к композиторам. «Мне нравится игра Сэмюэля Дж. Хоффмана в« День, когда Земля остановилась ». У него просто такое присутствие ». Она также выбирает более современный пример Лидии Кавиной (внучатой ​​племянницы терменвокса) в фильме 2004 года «Машинист».

Бокал Бенджамина Франклина Armonica | Институт Франклина

В середине 1700-х годов Бенджамин Франклин служил делегатом от колониальной Америки и провел много времени, путешествуя по Лондону и Парижу.В этот период для музыкантов-любителей было довольно популярно и интересно выступать на наборах «певческих» или музыкальных очках. Франклин посетил один из таких концертов и был заинтригован красотой звука. Практически сразу он приступил к работе, применив принципы мокрых пальцев по стеклу к своему собственному музыкальному творчеству.

Бен Франклин завершил свою стеклянную армонику в 1761 году (ее название происходит от итальянского слова «гармония»). Он не просто усовершенствовал идею музыкальных бокалов, в которые играли так же, как сегодня дети за обеденным столом играют в них. ноты определяются количеством воды в стакане.Скорее, Франклин сделал возможными аккорды и живые мелодии в своем новом инструментальном изобретении.

Работая со стеклодувом в Лондоне, Франклин сделал несколько дюжин стеклянных чаш, настроенных на ноты разного размера, и вставил одну в другую с пробкой. Каждая чаша была сделана правильного размера и толщины, чтобы получить желаемую смолу без наполнения водой. Франклин также раскрасил их так, чтобы каждая миска была помечена разными цветами. В центре стеклянных чаш проделывалась дыра, через которые проходил железный стержень.Шток крепился к колесу, которое вращалось ножной педалью. Прикосновение влажных пальцев к краю вращающихся стаканов воспроизводило музыкальные звуки.

  • Бокал Бена Франклина Armonica

  • Стекло Armonica Бенджамина Франклина.

  • Чаши снабжены пробкой через дно, прикрепляя их к железному стержню.

  • Бокал Бена Франклина Armonica

  • Чаши вставляются одна в другую, не касаясь друг друга.

  • Еще один снимок, на котором видно, что миски не касаются друг друга.

  • Бокал Бена Франклина Armonica

Стеклянная армоника была одним из самых знаменитых инструментов 18 века.Франклин начал брать с собой свою любимую армонику, когда путешествовал и играл для своей публики популярные шотландские мелодии или оригинальные композиции. Позже композиторы, такие как Бетховен, Моцарт и Доницетти, написали музыку для армоники. Из-за своей почти немедленной популярности стеклянная армоника казалась обреченной на постоянство. Но к 1820-м годам об этом инструменте почти забыли.

Со временем некоторые тревожные события стали ассоциироваться со стеклянной армоникой. Некоторые музыканты, играющие на армонике, заболели, и им пришлось прекратить играть на инструменте.Они жаловались на мышечные спазмы, нервозность, судороги и головокружение. Несколько слушателей также пострадали; после инцидента в Германии, когда во время выступления умер ребенок, армоника была фактически запрещена в нескольких городах. Некоторые люди думали, что высокие воздушные тона вызывают духов мертвых, обладают магическими способностями или сводят слушателей с ума. Другие думали, что свинец из хрустальных чаш или краска впитывались пальцами музыкантов, когда они касались стекла, вызывая болезнь.Никаких объяснений или доказательств ни одному из этих утверждений не было дано. Сам Франклин проигнорировал все споры и продолжал играть на инструменте до конца своей жизни, не имея ни одного из упомянутых симптомов. Но популярность армоники так и не вернулась к той, которая была, когда она была впервые представлена.

На момент своей смерти в 1790 году, когда было построено более 5000 из них, Бен Франклин не получил денег от своей стеклянной армоники. Он отказался запатентовать какое-либо из своих изобретений, сказав:

«Поскольку мы пользуемся огромными преимуществами из изобретений других, мы должны радоваться возможности служить другим любым нашим изобретением, и мы должны делать это свободно и щедро.«

Бен, безусловно, жертвовал свободно и щедро, постоянно вкладывая время и энергию, чтобы сделать свои идеи полезной или развлекательной реальностью. Некоторые говорили, что стеклянная армоника была волшебной, но, возможно, виноват в ней человек. Франклин сделал возможным создание прекрасных звуков одним прикосновением пальца, звуки, которые его жена Дебора однажды назвала «музыкой ангелов».

Изображенная здесь стеклянная армоника была построена в Лондоне Чарльзом Джеймсом в 1761 году по собственным инструкциям Бена Франклина.Инструмент имеет корпус и подставку из красного дерева, а музыкальные стеклянные чаши поддерживаются на пробках вдоль железного стержня.

Примечание. Изображенные выше объекты являются частью защищенной коллекции объектов Института Франклина. Изображения принадлежат © Институт Франклина. Все права защищены.

.
Разное

Leave a Comment

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Семейный блог Ирины Поляковой Semyablog.ru® 2019. При использовании материалов сайта укажите, пожалуйста, прямую ссылку на источник.Карта сайта